Talia Hoit – A Drop In The Ocean

Il 26/11/2024, di Carlo Monforte.

E’ da poco uscito ‘Oceans’, il nuovo lavoro solista di Talia Hoit, cantante e tastierista statunitense già al lavoro con Beyond Forgiveness e Ob Nixilis, oggi alle prese con un nuovo capitolo della sua carriera in solitaria. Un percorso che ancora una volta va a fondere paesaggi sonori malinconici con la grandezza del metal sinfonico, andando a scavare in profondità nelle questioni di cuore, intrecciando senza soluzione di continuità esperienze personali alla sua arte. Con la sua voce da soprano e la maestosa orchestrazione, Talia ha creato un equilibrio unico tra pesantezza e bellezza sinfonica. Affascinati abbiamo contattato la cantante per farci raccontare di più riguardo la sua arte.

La prima domanda è forse scontata ma d’obbligo: chi è Talia Hoit?
“Ciao! Talia è una cantante, cantautrice e pianista pronta a pubblicare il suo primo album da solista prodotto professionalmente. Il mio percorso musicale dura da tutta la vita, quindi non so quanto vogliate sapere. Ma ho suonato il pianoforte fin dalla tenera età, ho studiato musica classica e poi sono entrata in una band come tastierista, ho cantato in un coro sinfonico classico per un po’ e sono stata la cantante e l’orchestratrice della band symphonic metal Beyond Forgiveness per circa 10 anni. All’inizio di quest’anno ho iniziato a suonare le tastiere anche per un’altra band, gli Ob Nixilis. Mi piace molto creare musica originale. Ho scritto canzoni e composto musica personalmente per molto tempo, e il mio progetto solista, da cui sta per uscire il mio album ‘Oceans’, è un tentativo di finire quanta più musica personale possibile per poterla condividere con il pubblico!”
Cosa ti ha ispirato a intraprendere una carriera musicale e come sei stata coinvolta nel genere symphonic metal?
“Probabilmente non è quello che vi aspettereste di sentire, ma quando stavo finendo la scuola e stavo iniziando la mia vita adulta ho scelto di non intraprendere una carriera musicale. All’università avevo frequentato un conservatorio classico per studiare pianoforte e cominciavo a sentirmi spaventata dalla prospettiva di come avrei potuto pagare le bollette e vivere dopo la laurea solo insegnando, accompagnando e venendo ingaggiata per concerti. Ho deciso di trovare un lavoro in un settore più stabile che producesse reddito. Per un po’ di tempo ho lavorato nel settore finanziario e ho perseguito la mia musica come passione di vita – più per amore che per denaro! Un giorno, però, sarebbe bello avere l’opportunità di concentrarmi principalmente sulla musica e sulle tournée. Ho iniziato ad appassionarmi al metal sinfonico verso la metà e la fine degli anni 2000, quando suonavo le tastiere nella band AnaDies. Non eravamo particolarmente sinfonici, ma stavamo davvero entrando nello stile del “female fronted metal”, dato che avevamo una cantante donna (non io). Una volta abbiamo persino aperto per i Within Temptation. Uno dei miei amici era molto appassionato di symphonic metal e mi mandò un cd misto di diversi gruppi symphonic metal da ascoltare, cosa che mi fece interessare molto a questo stile. Credo che abbia risuonato molto con me a causa del mio background di musica classica. L’altra mia band non era altrettanto interessata al genere, e così ho iniziato a provare a scrivere musica in quello stile per conto mio. Ne ho un bel po’ in vari stadi di completamento nel mio computer e nei miei quaderni, in attesa che gli dedichi l’attenzione necessaria per finirla. Intorno al 2014 ho deciso che volevo cantare metal sinfonico. Cantavo con un coro classico, ma volevo davvero fare musica originale. Così ho iniziato a fare audizioni per le cose pubblicate su Craigslist, che mi hanno portato a diventare la cantante dei Beyond Forgiveness. Quando qualche anno fa ho deciso di rivedere il mio progetto solista, però, molte delle mie canzoni da solista non erano esattamente symphonic metal – molte erano state scritte prima che scoprissi l’esistenza di questo genere. Quindi, ad essere onesti, il processo per questo primo album ha comportato il tentativo di trasformare le canzoni che non erano specifiche per il genere in un arrangiamento symphonic metal, perché questo è il genere con cui mi sento più in sintonia”.
Le tue basi musicali affondano nella formazione classica. Come ha influenzato il tuo stile compositivo nel metal?
“Penso che sia una delle ragioni principali per cui mi sento in sintonia con il metal sinfonico, e nella musica che compongo per la mia altra band mi avvicino sicuramente alle influenze della musica classica. Cerco di creare una partitura come se una vera orchestra potesse suonare insieme alla band. Uso molto la teoria musicale, soprattutto quando i chitarristi scrivono riff in chiavi diverse e io devo fare una modulazione per collegarli. Ma con la mia musica da solista la composizione è meno intellettuale o intenzionale, credo. Molte volte la mia scrittura è improvvisata, e poi torno indietro e lavoro alla revisione e all’editing per trasformare la canzone in qualcosa di più strutturato”.

Oggi presenti il singolo ‘Island of Hope’. Cosa puoi dirci di questo brano?
“La musica è tratta da una composizione che avevo iniziato a scrivere forse nel 2018 o giù di lì, ma per un po’ non aveva parole, solo il titolo e una composizione orchestrale. La storia che ne è scaturita è piuttosto triste. Nel 2020 il mio ragazzo aveva scoperto il corpo di un suo caro amico che si era suicidato. Abbiamo scoperto che aveva provato a chiamare qualcuno per chiedere aiuto, ma era partita la segreteria telefonica. È stato un momento traumatico, ma quel pezzo mi è rimasto davvero impresso. Per un attimo ho pensato: ‘cosa sarebbe successo se lui (o chiunque altro) mi avesse chiamato in quella situazione, e cosa sarei stata in grado di dire a qualcuno che stava sprofondando così tanto nella disperazione?’ Cose come: “Non sei solo”, “Capisco quanto sia difficile in questo momento”, “Tieni duro, andrà meglio”, tutte cose che si potrebbero cercare di comunicare ma le parole stesse sembrano un po’ futili e deboli. Spesso uso metafore per aiutarmi a sviare gli argomenti difficili, e così ho capito che questo era l’argomento di cui dovevo scrivere per il testo del mio brano strumentale ‘Island of Hope’, e le idee della risacca dell’oceano e di un’oasi lontana erano davvero adatte alla situazione che stavo cercando di elaborare nel mio cervello, e le parole sono venute abbastanza facilmente una volta che ho potuto avvolgere la mia mente un po’ meglio con l’aiuto delle metafore”.
‘Island of Hope’ è un’anteprima del tuo nuovo album ‘Oceans’. Cosa possono aspettarsi gli ascoltatori dall’album in termini di temi e sonorità?
“Ogni canzone è diversa dall’altra, ma il suono complessivo è abbastanza coeso. Ci sono parti epiche e parti emotive e molta energia nelle canzoni, anche se ci sono anche alcuni momenti più lenti. Ogni canzone ha una sorta di metafora legata all’oceano nei testi, anche se ogni brano è stato scritto indipendentemente dagli altri – non l’ho scritto come un concept, ma piuttosto ho selezionato le canzoni da riunire nell’album basandomi sull’idea che tutto avesse una sorta di tema dell’oceano per legare le canzoni insieme. Inoltre, ci sono molti assoli di chitarra davvero fantastici – personalmente adoro gli assoli di chitarra e questo è uno dei miei aspetti preferiti dell’album!”.
In che modo le tue esperienze personali hanno influenzato la narrazione che hai creato per ‘Island of Hope’?
“La narrazione del video del singolo è legata alla storia della canzone. Dato che il testo è molto metaforico, abbiamo deciso di rendere il video una rappresentazione più letterale di ciò di cui parla la canzone: in pratica, cercare di convincere qualcuno a uscire dalla disperazione autodistruttiva”.
Puoi descrivere il processo di composizione e scrittura delle canzoni? Di solito inizi dal testo, dalla melodia o da un’idea musicale specifica?
“Quando scrivo con altre persone nelle mie band, il processo è molto più strutturato e intenzionale, ma per la mia musica da solista la verità è che per lo più si tratta di caos creativo. La maggior parte delle volte, quando scrivo qualcosa di personale, non è con l’intento di creare una canzone. Scrivo molte parole solo per elaborare qualsiasi cosa stia accadendo nella mia vita, una specie di diario, e a volte diventa una poesia o una canzone. E a volte, quasi ogni giorno, passo qualche minuto a suonare il mio pianoforte, senza suonare nulla in particolare, ma improvvisando su ciò che sento. E a volte questo diventa una canzone. Altre volte comincio a comporre cose nei miei programmi di scoring per computer, e alcune di queste idee diventano strumentali che poi converto in canzoni. Le idee e l’espressione di sé in quel momento sono facili e super ispirate, ma non sono prevedibili e di solito non avvengono su richiesta, sono più che altro una risposta a ciò che sto vivendo in quel momento, e l’output creativo a volte è sufficiente per una canzone completa. Lo sforzo intenzionale di trasformare le idee e di realizzare le canzoni e la musica in qualcosa di condivisibile per gli altri è la parte più difficile, e per questo ho cercato un produttore che potesse aiutarmi a raggiungere questo obiettivo”.
Per ‘Oceans’ hai collaborato con un gruppo di musicisti di talento. Come hai scelto i musicisti con cui lavorare?
“Beh, in realtà questi ragazzi sono stati scelti dal mio produttore Frank Pitters, e sono musicisti con cui ha lavorato molto in altri progetti. Negli ultimi anni ho lavorato con molte persone diverse, alcune delle quali hanno già pubblicato la loro musica. È sempre stata una grande sfida per me trovare persone con cui collaborare che capissero il tipo di musica che sto cercando di realizzare. Nella mia rete di contatti è sempre stato difficile trovare le persone adatte alle mie canzoni e alla mia situazione, perché i miei gusti musicali sono molto diversi da ciò che è veramente popolare nella mia comunità locale. Quando ho iniziato a lavorare con Frank sulle mie canzoni, sono stata molto contenta che abbia coinvolto dei professionisti della sua rete che sono più abituati a suonare in questo stile, e sono davvero fantastici. Forse non dovrei divulgare questa informazione, ma questi stessi ragazzi stanno attualmente lavorando anche su altre mie musiche, visto che per l’album ‘Oceans’ ha funzionato alla grande”.
Puoi parlarci dell’orchestrazione della tua musica? Come riesci a fondere elementi classici e metal nei tuoi arrangiamenti?
“Se parlassimo della musica della mia altra band, dove sono io a occuparmi dell’orchestrazione, potrei parlarne tutto il giorno. Per l’album ‘Oceans’, tuttavia, nella maggior parte delle canzoni l’orchestrazione è stata arrangiata dal mio produttore Frank Pitters a partire dai miei demo al pianoforte. Lavoravamo principalmente con canzoni vecchie per le quali avevo scritto solo un accompagnamento al pianoforte, e molte delle quali erano state scritte prima che ascoltassi molta musica metal o addirittura rock. ‘Island of Hope’ è stato un po’ diverso perché prima avevo composto un accompagnamento orchestrale e abbiamo mantenuto molte delle mie idee. Ma per la maggior parte delle canzoni, inviavo una demo di pianoforte e spiegavo quali parti dei riff di pianoforte volevo mantenere come idee nella musica, e poi Frank espandeva l’arrangiamento e l’orchestrazione per il suono della band completa. Il motivo principale per cui volevo lavorare con Frank è che anche lui è un tastierista e ha un grande talento nell’orchestrazione, molto più di me, ed è specializzato in metal sinfonico. Avevo anche dei problemi, credo una sorta di blocco creativo mentale, nel cercare di rivedere le mie vecchie canzoni e trasformarle, quindi avevo davvero bisogno di un aiuto esterno. Sapevo che lui poteva aiutarmi a creare arrangiamenti che si avvicinassero a come avevo immaginato le canzoni”.
La tua musica esplora spesso temi profondi come il dolore e la speranza. Perché pensi che questi temi risuonino così fortemente con il tuo pubblico?
“Alcune di queste cose sono forse esperienze umane più universali, onestamente. La maggior parte delle persone ha vissuto queste esperienze nella propria vita, in qualche modo. Forse non esattamente nello stesso modo in cui l’ho fatto io, ma in generale ci sono cose che tutti passano. Quando ho iniziato a scrivere le mie canzoni personali e a mostrarle agli amici o a provare a suonarle come cantautrice, magari in una caffetteria, ho ricevuto molte critiche perché i miei testi non erano abbastanza felici ed erano più cupi di quanto alcuni si sentissero a proprio agio. All’inizio mi sono scoraggiata dal condividere la maggior parte dei miei lavori pubblicamente. Ho iniziato a pensare che forse ero solo un po’ strana e che era meglio tenere i miei pensieri per me il più delle volte. Quindi ero piuttosto selettiva riguardo alle canzoni che avrei suonato in pubblico o condiviso con altre persone, ed ero anche selettiva riguardo alle persone con cui le condividevo. Quando ho iniziato a scoprire il metal, ho cominciato ad aprirmi un po’ di più, perché sentivo che il genere era più adatto ai tipi di testi che scrivevo.
E più scrivo e condivido le mie canzoni, più mi accorgo che ci sono persone che le condividono, e sono più numerose di quelle che criticano e odiano. Questo è uno dei motivi per cui sto cercando di far produrre e pubblicare la mia musica a livello professionale, perché ho capito che forse ci sono molte persone che potrebbero entrare in risonanza con ciò che ho scritto e che avrebbero piacere di ascoltarlo”.
In ‘Island of Hope’ esplori una narrazione metaforica. Quanto è importante la narrazione nella tua musica?
“Credo che in tutte le mie canzoni ci sia intrinsecamente una storia, per via del motivo per cui scrivo: scrivere è soprattutto il mio tentativo di elaborare qualsiasi cosa stia accadendo nella mia vita. A dire il vero, molte volte preferisco non raccontare la storia che c’è dietro le canzoni o che i testi siano troppo trasparenti. Uso molto le metafore perché è molto più facile affrontare le cose e condividerle con altre persone quando si tratta di un concetto più generalizzato su cui gli ascoltatori possono proiettare le proprie esperienze e relazionarsi, piuttosto che una descrizione letterale delle mie storie personali, se questo ha senso”.

Che differenza c’è tra l’esibirsi dal vivo e il comporre in studio?
“Amo la performance dal vivo più di ogni altra cosa. Mi sento più viva sul palco, davanti alla gente. Cantare in studio richiede molto lavoro e concentrazione sulla tecnica e su tutte le sfumature del suono e della comunicazione del testo e della melodia. Mi piace molto farlo, adoro lavorare in studio, ma è un ambiente di lavoro chiuso, privato e intenso, dove mi spingo molto e sperimento. Quando mi esibisco dal vivo per il pubblico, mi concentro di più sulla comunicazione della musica, sul sentire di più il momento e sul contatto con le persone”.
Cosa possono aspettarsi i fan dai tuoi concerti, soprattutto alla luce del tuo nuovo materiale?
“Per il mio progetto solista, il live è una cosa in divenire, perché i musicisti in studio che hanno suonato nelle mie registrazioni non sono la mia band per i live. Con l’uscita di questo album, ho un gruppo di ragazzi locali che stanno imparando le canzoni e si stanno preparando con me per essere in grado di suonare questo materiale in uno spettacolo dal vivo. Non ho ancora annunciato nulla di ufficiale, quindi sarete i primi a saperlo! I musicisti della mia band dal vivo sono: Hercules Castro della band Psyco Drama alla chitarra, e tutti i ragazzi con cui suono in un’altra band chiamata Ob Nixilis: Manny Moreno alla chitarra, Joe Niski al basso e Jeremy Cuchiara alla batteria”.
Come artista donna nella scena metal, quali sfide hai affrontato e come le hai superate?
“Ci sono sicuramente delle sfide, anche se la discriminazione più palese o l’ostilità nei miei confronti come musicista donna l’ho sperimentata molto tempo fa e non era particolarmente presente nella scena metal. La mia esperienza come donna nella scena metal non è stata in realtà molto negativa, forse non mi sono sempre adattata, ma mi sono sempre sentita accettata nella mia scena locale. Direi che la sfida più grande è che è più difficile fare rete e collaborare nell’industria musicale. Inoltre, a volte le persone non mi prendono sul serio o non mi ascoltano più di tanto. A volte, quando vado a caricare la mia attrezzatura a uno spettacolo, devo chiedere ad altre persone di garantire per me per convincere i buttafuori che sono davvero nella band e che dovrei essere lasciata entrare nel locale. Non credo di aver mai superato completamente la maggior parte delle sfide, ma continuo ad andare avanti e per ogni ostacolo che incontro continuo a cercare un’altra strada da percorrere”.
Cosa ne pensi della rappresentazione delle donne nel metal? Ci sono artiste o band femminili che ti hanno ispirato?
“Ci sono sicuramente molte più donne di talento che sono in grado di esprimere la loro arte in questo genere rispetto al passato. Penso che sia fantastico che ci sia una maggiore apertura verso tutte le persone nel metal e spero che continui a diventare più equilibrato. Ci sono molte donne e uomini che mi hanno ispirato. Col tempo cambia chi trovo d’ispirazione in ogni momento, a seconda di chi fa qualcosa di interessante con la sua musica e la sua vita e di quando lo incrocio. Mi piace molto ascoltare molta musica con cantanti donne, perché posso cantare con loro. Quando mi sono avvicinata al metal e al rock, alla fine degli anni Duemila, ascoltavo Within Temptation, Lacuna Coil, Nightwish ed Evanescence. Diversi anni fa, quando stavo pensando di realizzare il mio progetto solista, mi sono ispirata ad alcune delle cantanti emergenti più recenti, come Diana Shade, Melissa Bonny e Zoe Federoff, che stavano prendendo in mano i loro progetti e fondando le loro band. Al momento, direi che mi sento più ispirata da Sarah Brightman, anche se non si tratta di metal, penso solo che sia una cantante straordinaria con una carriera invidiabile e vorrei segretamente poter sviluppare uno spettacolo dal vivo drammatico e visivamente creativo come quello che fa lei”.
Quali sono le tue più grandi speranze per ‘Oceans’ una volta che sarà rilasciato al pubblico?
“Essendo il mio primo album da solista prodotto e pubblicato professionalmente, spero davvero che venga diffuso in modo efficace, in modo che la gente lo senta, e spero che alla gente piaccia davvero, che risuoni con le canzoni e che si colleghi con me online per unirsi a me nel mio viaggio musicale per i prossimi album a cui sto lavorando!”
Come prevedi l’evoluzione della tua musica nei prossimi anni?
“È difficile da dire, perché se potessi vedere come suonerà in futuro ci andrei subito. Immagino che cercherò costantemente di rendere ogni album migliore del precedente e di far confluire negli arrangiamenti più della musica che sento nel mio cervello, realizzando io stessa alcune parti strumentali in più rispetto a quanto ho fatto finora. Quindi questo potrebbe cambiare un po’ il suono e il punto di vista in futuro. Vedremo!”
Se potessi collaborare con qualsiasi artista, vivo o morto, chi sarebbe e perché?
“Questa è una domanda davvero difficile, perché non ho molti idoli musicali che mi vengono in mente in questo senso e non mi capita spesso di avere colpi di fulmine. Penso che ogni opportunità di collaborare sia un’esperienza fantastica. Mi piacerebbe collaborare con qualsiasi artista che sia in sintonia con me, che mi piaccia e rispetti quello che faccio. Ma forse direi qualcuno come Tina Guo o Apocalyptica o Hauser, perché amo molto il violoncello, è probabilmente il mio strumento preferito e cerco sempre di aggiungere più violoncello nelle mie canzoni”.
Che consiglio daresti alle aspiranti musiciste che vogliono entrare nella scena metal?
“Sarò una nerd e citerò Yoda di Guerre Stellari per dire: “Fare o non fare, non c’è un tentativo”. Se volete fare qualcosa, decidete esattamente cosa volete realizzare. Poi imparate ciò che vi serve, mettetevi in contatto con le persone che vi servono e che vi aiuteranno, continuate a sviluppare i vostri talenti e le vostre capacità e fatelo. Se le cose non vanno per il verso giusto, imparate e andate avanti, e non permettete a nessuno di impedirvi di fare ciò che amate o di lavorare per raggiungere i vostri obiettivi”.

Leggi di più su: Talia Hoit.