Phantom Heir – My Friend Fear

Il 20/09/2024, di Carlo Monforte.

Phantom Heir è il progetto di un misterioso musicista mascherato originario di Philadelphia, Pennsylvania che, emerso dalle profondità del post-metal, ha esordito nel 2021 con ‘Fear Harness’, lavoro che oggi gode di nuova linfa con una versione remixata e rimasterizzata, accompagnando l’ascoltatore in un autentico viaggio sonoro in una fusione di contemplazione e aggressività, che si traduce in paesaggi sonori coinvolgenti guidati da narrazioni concettuali e punteggiati da una intensa profondità emotiva. Incuriositi abbiamo contattato “Il Fantasma” in persona che, con grande disponibilità, ci ha condotto alla scoperta della sua creatura.

La storia di ‘Fear Harness’ ha origini abbastanza lontane, in un periodo che ha segnato pesantemente tutti noi. Vuoi parlarcene? 
“‘Fear Harness’ è stato scritto e originariamente registrato durante l’apice della pandemia COVID-19 nel 2020. La costante situazione esistenziale di incertezza e ansia intorno alla bolla amorfa in cui vivevamo collettivamente – ulteriormente inficiata da malattie, morte, relazioni fallite, solitudine e mancanza di sicurezza economica e fisica – ha contribuito direttamente all’atmosfera di questo album. Ho sempre lottato con l’ansia e la depressione, quindi questo tipo di riflessioni cupe, pur essendo comuni per me, si sono esacerbate durante questo periodo turbolento. Erano frequenti gli incubi che confondevano i confini tra realtà e illusione, evocando uno stato perpetuo di oppressione quasi metafisica. A un certo punto mi sono chiesto: la paura mi ha imbrigliato? Mi ha rinchiuso in questa prigione di solitudine e disperazione? Oppure ho imbrigliato la paura per mia volontà? Ho lasciato volontariamente che quell’oscurità entrasse e mi consumasse? E comunque, ho avuto la capacità di superare questi terrori e di liberarmi dalle loro catene? Queste domande sono diventate il tema dell’album, non necessariamente per dare loro delle risposte, ma per capire meglio ciò che stavo vivendo. Il titolo è diventato una sorta di talismano a cui attingevo nel corso di quel processo ogni volta che mi trovavo bloccato dal punto di vista creativo”.
Come descriveresti l’evoluzione del suono della band dalla sua formazione a oggi?
“Phantom Heir è sempre stato un riflesso della mia vita personale. Questo include ciò che ascolto, guardo, leggo, consumo – tutto è essenziale per il suono che coltivo. Inizialmente è nato come una sorta di progetto doomy, “post-metal” – qualunque cosa significhi. Grandi e semplici riff, ampi spazi aperti, un sacco di atmosfere umbratili e ricche di riverberi – questo genere di cose, suppongo. Ma rimanere in una sola corsia dal punto di vista musicale e tematico mi sembrava un po’ limitante e come se mi stessi incasellando, così ho cercato di cambiare le cose ogni volta che ho potuto. Forse il prossimo disco sarà più allegro e, oserei dire, incoraggiante. Forse quello successivo non sarà altro che djent e thall. Chi lo sa? Molto di questo è dettato non solo dal punto in cui mi trovo nella mia vita personale, ma anche dallo spazio in cui vivo e registro e dall’attrezzatura che uso. Se utilizzo un tipo diverso di strumento, di accordatura, di plugin o di pedali, il modo in cui interagisco con questi dispositivi spesso determina il suono e lo stile che finisco per creare. Posso avere in mente un’intenzione libera da un punto di vista concettuale, ma ciò che vedo e sento nella mia testa raramente è ciò che emerge durante l’esecuzione. Le canzoni mi dicono dove andare”.
Quali emozioni speri di suscitare nei tuoi ascoltatori attraverso la tua musica?
“Non spetta a me decidere. Trovo che molte volte, quando un’opera d’arte, che sia un film, un album, un dipinto o quel che sia, ti dice cosa provare, il risultato è spesso forzato e artificioso. Qualunque cosa io abbia sentito durante l’inizio di un progetto sicuramente emergerà, ma qualunque cosa l’ascoltatore senta dipende da lui. Finché sentono qualcosa di produttivo e significativo per loro e per gli altri, considero questa cosa un successo”.

Puoi raccontarci del processo di remix e remaster dell’album?
“Alla fine dell’anno scorso, ho avuto un momento di chiarezza dopo aver lavorato con un produttore su una parte semplice, ma fondamentalmente cruciale del processo di mixaggio e mastering: il limiting. Limitavo tutto nei miei mix, a scapito della loro qualità. Senza spazio per il headroom, stavo sovraccaricando le mie produzioni e rovinando la loro qualità. Qualsiasi sottigliezza o strato sottile venivano sopraffatti da questo e dall’uso eccessivo di gain, delay, riverbero e così via. È stata una serie di errori da principiante, ma perdonabili, considerando che non ho alcuna formazione tecnica o esperienza nel lavoro di produzione — solo innumerevoli ore di tentativi ed errori e di assorbire quanta più conoscenza possibile dai maestri in questo delicato mestiere dell’ingegneria audio. Dopo essermi reso conto dei miei errori, sono tornato ai miei vecchi materiali dopo aver pubblicato un paio di singoli e ho iniziato ad applicare alcune tecniche migliorative; precisione attenta nella creazione delle parti di batteria, maggiore fedeltà nelle tracce di chitarra, trovare l’equilibrio tra le impostazioni dell’EQ, e così via. Fondamentalmente, mi sono trovato a sottrarre piuttosto che aggiungere. Sto ancora imparando — non sono affatto un esperto — ma questo è qualcosa che il tempo può risolvere. E ora posso ridere della mia inesperienza; ho persino usato i feedback ricevuti nei primi mix come una sorta di distintivo d’onore: “inutilmente alto”. Potrei persino vedere adesivi di questo tipo in giro per il mondo”.
Quali sono le emozioni principali che esplori in ‘Fear Harness’?
“Fatigue, solitudine, disperazione, nichilismo, ansia e discernere la sottile linea tra realtà e illusione”.
Come si intrecciano realtà e illusione nei tuoi pezzi?
“Le canzoni di ‘Fear Harness’ sono una serie di sogni, basati su quelli reali e vividi che ho avuto. L’album può essere ascoltato come un ciclo, rispecchiando come ci svegliamo e ci addormentiamo in un modello simile. Puoi sentire motivi e melodie ricorrenti in tutto l’album, specialmente nelle tracce di apertura e chiusura, che funzionano come due estremità — discendendo in un sonno in “my earth”, solo per risvegliarsi in “their world”. Tra questi due stati si trova una serie di storie basate sulla realtà, ma operanti in questa valle inquietante di una stasi onirica. Ci sono parallelismi con un’esistenza consapevole, ma sono leggermente contorti e quasi osceni. L’uso di ripetizione e drone è frequente in questo disco per enfatizzare ulteriormente questo punto, forse anche invitando gli ascoltatori a vivere il proprio stato di trance. Le copertine degli album (ce ne sono diverse per ogni canzone) riflettono anche questo, poiché ognuna è un collage diverso di vari elementi e scenari dalla realtà, ma visti attraverso questo alone offuscato di lucidità. Alla fine, la realtà è solo la nostra percezione di essa”.
Quali elementi della musica post-metal ti hanno influenzato di più?
“Sono sempre stato una persona molto concettuale quando si tratta di creatività. La forza di un’idea può essere estremamente potente, a volte più della sua realizzazione. Trovo che l’ambient metal come questo sia un ottimo veicolo per evocare temi di questa natura perché c’è così tanto spazio negativo e atmosfere da esplorare. Se ascolti un artista come Godspeed You! Black Emperor o Russian Circles, potresti scoprire che gran parte di ciò che rende le loro composizioni risonanti non riguarda tanto ciò che accade durante le loro parti più pesanti o attive, ma ciò che accade tra — gli interludi, le costruzioni, i crescendo, la tensione atmosferica. C’è una qualità quasi narrativa in questi tipi di canzoni che non richiedono necessariamente parole (anche se possono talvolta aiutare a esaltarle). Sono un accanito spettatore di film. Quando scrivevo idee per ‘Fear Harness’ spesso mettevo un film, lo silenziavo e continuavo a ripetere finché non trovavo qualcosa che si sposasse bene con quello che stavo vedendo. In un certo senso, penso che questo sia ciò che il post-metal e la musica simile mi hanno instillato: un desiderio di evocare storie per film che non esistono — ancora. Ma forse un giorno esisteranno”.
Come reagisci alle critiche e ai feedback ricevuti dai fan riguardo il tuo lavoro?
“Tutti sono preziosi per me, anche quelli negativi, perché aiutano ad ampliare la lente attraverso cui opero. È impossibile accontentare tutti, ma a volte l’unico modo per sapere dove ti collochi è sapere dove non appartieni o non risuoni prima, e poi adattarti o cambiare in base a questo, se necessario. In definitiva, mi aggrapperò sempre alla mia integrità e intuizione, ma nuove prospettive sono essenziali per illuminare ciò che potrei non aver visto prima”.

C’è una canzone nell’album che ha un significato speciale per te? Perché?
“‘The Chasm of Time’ è particolarmente importante per me, poiché è una delle prime canzoni che ho composto. Originariamente, era stata scritta per qualcuno con cui avevo una relazione molto intensa e tossica. Ma col tempo, la canzone è evoluta per generare un significato tutto suo riguardo alla perdita e alla crescita. Il tempo non aspetta nessuno e porta via tutto. Inoltre, è anche la prima canzone su cui ho collaborato con qualcuno — Claire Hamard, che attualmente suona nei Sleepbomb. Ero sempre riluttante a incorporare collaborazioni esterne su quella che è, in definitiva, musica molto personale per me, specialmente per quanto riguarda le voci, che rappresentavano un territorio del tutto nuovo per me. Ma Claire ha davvero dato nuova vita alle vene di questa canzone, anche se sembra apparire solo come una semplice texture ambient. Per me, queste voci sono stati il tocco finale per evocare quel senso di perdita e angoscia”.
Qual è il messaggio che desideri trasmettere attraverso le tue canzoni?
“La bellezza della musica strumentale è che contiene una pluralità di significati. Se vedi un dipinto astratto in un museo, potresti avere il contesto per l’artista, il periodo in cui viveva, come è stata realizzata l’opera e così via, ma ciò che significa o dice a uno spettatore è, in definitiva, aperto all’interpretazione. Questo è generalmente il modo in cui affronto ogni release, anche quelle più concettuali o narrative. Il miglior tipo di arte, a mio parere, è quello che pone domande invece di fornire risposte. Spero che questa release e altre semplicemente espandano i corridoi delle menti delle persone”.
Come si è evoluto il tuo processo creativo nel corso degli anni?
“In passato, avevo molte insicurezze e esitazioni riguardo al mio lavoro. Continuavo a iterare e a modificare aspetti granulari delle canzoni che scrivevo finché non risultavano apparentemente perfette. Ma spesso mi sentivo deluso durante questo processo, il che non faceva altro che esacerbare il mio senso di sindrome dell’impostore. Operare in relativa oscurità non aiutava; una comunità ristretta è essenziale per la propria crescita e responsabilizzazione. Recentemente, ho lasciato andare gran parte di questa tensione e ho abbracciato di più il caos e l’ignoto. Ho imparato alcuni trucchi e tecniche nuovi e ho imparato a essere soddisfatto di qualunque cosa mi sembri buona in quel momento. Invece di mettere tutto in discussione, mi lascio guidare dall’istinto. La semplicità è diventata fondamentale per il mio processo, e questo si riflette nell’attrezzatura che uso, nelle strutture delle canzoni che impiego e nelle narrazioni che racconto. Questo rende anche il lavoro molto più veloce. E con quella rapidità arriva una mancanza di paura — quando pensi in questo modo, non c’è molto spazio per dubitare o mettere in discussione. Devi semplicemente riporre fiducia in te stesso e nel processo. E questo richiede una sana dose di introspezione, terapia e imparare a vivere con meno. Ma ne sono molto più felice”.
Come affronti la sfida di mantenere un equilibrio tra introspezione e aggressività nella tua musica?
“Si tratta di mantenere uno stato costante di consapevolezza — sia su me stesso che sul mondo che mi circonda. Non posso affezionarmi troppo a un’idea o innamorarmi troppo di un concetto o di un passaggio; cerco di rimanere imparziale dopo la mia fase iniziale di innamoramento con il mio lavoro. Mi pongo domande come: “questo sta spingendo un limite per me? L’ho già fatto prima? Questo sta dicendo qualcosa di veramente nuovo nella musica, o è semplicemente un’altra noiosa ridondanza?” Molte volte mi ritrovo a riffare senza senso, quindi passo a suonare solo passaggi ambient basati sul tempo, il che potrebbe poi portare a parti principali o a un’interruzione pulita. Prima che me ne accorga, nasce una nuova canzone. Non è sempre così facile, ma aiuta sicuramente a dare inizio a quello slancio. È un po’ come la maggior parte dei cineasti che girano una serie o un film in modo non lineare. Per loro, è per necessità basata sulle esigenze di produzione o sul budget. Per me, deriva dalla necessità di cambiare il processo prima che diventi troppo stantio o ripetitivo”.
Quali band o artisti consideri le tue principali influenze?
“Molti dei soliti noti e dei pesi massimi nella musica atmosferica pesante — Deftones, Loathe, Isis, Cult of Luna, Russian Circles, Godspeed, Neurosis, Pelican e così via. Sono cresciuto con una mistura eclettica di musica, che spaziava da R&B, pop, reggaeton, rock classico e, naturalmente, tutte le variazioni di musica pesante. Quindi, in un certo senso, queste si sono tutte amalgamate in una grande influenza. Ultimamente ho ascoltato molto Knocked Loose, Vildhjarta, Humanity’s Last Breath e The Body. Mi piacciono gli artisti che sfidano i confini e mantengono uno stato costante di spinta e tiro tra contrasti netti. È qualcosa che vorrei esplorare ulteriormente nel mio lavoro. Al di fuori della musica pesante, mi piace la musica dark synth, pop o post-punk. Artisti come Boy Harsher, Föllakzoid, The Soft Moon (RIP), Austra, Björk, Anohni e così via. È difficile identificare chi sia una grande influenza a volte, poiché trovo quasi sempre qualcosa di motivante in quasi tutte le forme di musica”.

Quali sono le tue aspettative riguardo alla reazione del pubblico alla versione remasterizzata di ‘Fear Harness’?
“La tecnologia e i social media hanno accelerato la percezione di qualità e il consumo di materiale da parte delle persone a un ritmo allarmante e rapido. Penso che, per distinguersi, semplicemente pubblicare materiale pieno di grandi riff o buone idee non sia più sufficiente. Le persone hanno un termo-sensore di sensibilità al bullshit sempre più raffinato, e se chiunque può fare musica nella propria camera, la barriera d’ingresso è bassa, il che significa che la soglia di tolleranza è ancora più debole. Questo è qualcosa di cui sono sempre più cosciente, non solo come cosiddetto artista da camera, ma anche come spettatore. Se il primo ascoltatore è il musicista, allora ciò che suono deve suonare bene per me, ma devo rimuovere i miei pregiudizi mentre lo faccio. Ciò significa attenuare le mie aspettative e il mio orecchio a quelli con standard elevati e un atteggiamento altrettanto critico. Quindi, la mia speranza è che le persone lo vedano come un’evoluzione necessaria e migliorativa. Che la fedeltà e la chiarezza di ogni nuova decisione durante questo processo di revisione non passino inosservate, anche se è solo subliminale — come sapere come orientarsi in un aeroporto perché la segnaletica è progettata davvero bene. E mentre creerò sempre per me stesso e per i miei istinti prima di tutto, è imperativo che sia orgoglioso e fiducioso di ciò che pubblico per il resto del mondo da vedere e ascoltare”.
Come descriveresti il legame tra te e le persone che orbitano attorno al tuo progetto, e come influisce sulla tua musica?
“Sono l’unico “costante” membro di Phantom Heir per il momento, ma ho gradualmente lavorato con un numero sempre maggiore di collaboratori nel tempo — principalmente vocalist. Questo è qualcosa che voglio continuare a esplorare e sfruttare, poiché credo che aiuti a elevare il mio lavoro verso qualcosa al di là delle mie facoltà e verso nuove dimensioni intriganti. Quando lavoro con i collaboratori, cerco di promuovere un dialogo aperto e onesto che sia tanto un’estensione della loro creatività e desiderio quanto del mio. Anche se potrei conoscere in ultima analisi la direzione generale e il quadro in cui voglio che un progetto esista, sarebbe insensato contattare altri per il loro input e coinvolgimento se non lo accettassi — anche se ciò significa sacrificare o compromettere un’idea a cui ero determinato”.
C’è un aneddoto divertente o memorabile che ti piacerebbe condividere sulla registrazione dell’album?
“Gran parte dell’album è stato originariamente scritto e registrato mentre ero regolarmente ubriaco e in un momento molto buio, il che può o meno aver contribuito alla sua iniziale imprecisione. Spesso rimanevo sveglio fino a tarda notte fino a quando il sole sorgeva presto al mattino, il puzzo di qualsiasi miscela stessi ingerendo persisteva pesantemente nell’aria e su di me. È stata davvero un’epoca di “scrivi caldo, edita freddo”. Tornando a quel materiale più tardi, ora completamente sobrio da più di un anno, il processo di remix e remaster sembrava quasi tornare sulla scena di un crimine e condurre un’autopsia su dove sono andate male le cose. Ho dovuto riapprendere parti che avevo dimenticato, dare senso a decisioni deliranti che avevo preso in precedenza e in qualche modo intrecciare tutto insieme. Mi ha dato una prospettiva su quanto sono lontano da allora e una nuova apprezzamento per quanto sia fortunato ad essere dove mi trovo ora. In un certo senso, sembra quasi che abbia esorcizzato alcuni demoni interiori”.
Come pensi che la tua musica si inserisca nell’attuale scena post-metal?
“È difficile dirlo. Mi piacerebbe pensare che possegga tutti i dogmi del genere — grandi riff, costruzione e crescendo, atmosfera carica di riverbero, spinta e tiro tra pesantezza e ampiezza… ma suppongo che ciò che latita sia la mancanza complessiva di sofisticazione nel mio approccio. Tutto ciò che faccio con Phantom Heir non è necessariamente fatto “bene”, nel senso che non sono formalmente addestrato o insegnato, sto principalmente raggiungendo queste cose in totale solitudine e con risorse limitate, e non sono troppo preoccupato per il fatto che ho creato una melodia memorabile che ottiene un sacco di “mi piace” e reazioni. Sto semplicemente esorcizzando demoni e canalizzandoli in un linguaggio che ha senso per me. A volte sembra che ci siano altri fluenti in esso, altre volte sembra alienante. Solo il tempo potrà dirlo con certezza”.
Hai intenzione di esplorare nuovi temi o stili nel tuo prossimo lavoro?
“Assolutamente”.
Cosa speri che gli ascoltatori portino con sé dopo aver ascoltato ‘Fear Harness’?
“Che ho ancora molto da dire e che sono sempre invitati ad ascoltare. Soprattutto, voglio rafforzare la nozione che anche nell’ora più buia, c’è sempre speranza e un senso di scopo, specialmente se hai la capacità e la volontà di creare qualcosa. A volte è necessario semplicemente attraversare un  girone dell’Inferno e tornare indietro prima di trovare quel scopo”.

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